Auf Schatztour im Kunstexpress

Apropos: Auch das erste Haus auf unserem Fahrplan ist mitten im Wandel. Das Gustav-Lübcke-Museum liegt nur eine Wurfweite vom prächtigen Hammer Hauptbahnhof entfernt. Einladend wirkt der 1993 fertiggestellte Bau, längst schon wieder renoviert, schon auf dem Vorplatz. Skandinavisch leicht präsentiert sich die Eingangshalle mit ihren weiten Rampen, auffälligen Leuchtenklassikern, eleganten Holzwänden und einem Café – wow! Ein Wunder ist diese architektonische Lässigkeit nicht, die beiden Architekten Jørgen Bo und Vilhelm Wohlert stammten aus Dänemark. Wie sie Museumsbau konnten, werden wir auf der Strecke noch am Kunstmuseum Bochum wiedersehen. Sehr großzügig wirkt das Haus in Hamm – und ist ständig im Wandel. Direktor Thomas Schmäschke bereitet schon wieder den nächsten Umbau vor. Sein Ziel: jeder Gast soll gerne kommen, auch die Jüngsten – und das wirkt. An einem Donnerstagmorgen sind gleich zwei Gruppen da, eine Schulklasse und eine Kita-Gruppe. Ihr Vergnügen ist gut zu vernehmen. Aber Schmäschke und sein Team machen es den Interessierten leicht. Das Gustav-Lübcke-Museum überspannt in fünf Abteilungen rund 13.000 Jahre Kulturgeschichte – einzigartig weit und breit – und wirkt auf den insgesamt 4000 Quadratmetern Ausstellungsfläche kräftig aufgelockert. Neben der Stuhlsammlung der Abteilung für Angewandte Kunst steht etwa ein Vasenkunstwerk. Hochmodern im 3D-Druck entstanden. Und neben den Gemälden von einst steht ein Kugellabyrinth aus dem Jetzt. Ins Rollen gebracht werden die Kugeln über von den Gästen gesungene Us und Os. Eine Musikausstellung ist gerade im Haus und fordert mal hier mal dort zum Mitmachen auf. 

Schon vom Bahnsteig aus ist oberhalb des Deutschen Fußball-Museums ein goldenes U auszumachen. „U“ für Union Brauerei, könnte aber auch für „unglaublich“ stehen. Längst ist aus dem Alten Gär- und Lagerhaus ein Kulturleuchtturm geworden. Sieben Etagen voller kultureller Aufladung, möchte man meinen. Den Überblick dazu gibt’s im Foyer. Ein Kino im Erdgeschoss, dazu ein Bistro und ein immersiver Raum für Experimente zwischen analogem und digitalem Erlebnis. Die Dimensionen dieses Gebäudes sind unvergleichlich. Uns zieht es auf die Rolltreppen und davon gibt es einige.

Diesmal tragen sie uns nicht in die Ausstellungen der Dortmunder Universität oder des umtriebigen HMKV, des Hartware MedienKunstVerein, einem sehr erfolgreichen Zentrum für aktuelle Medienkunst. Sondern ins Museum Ostwall, der Vorzeigesammlung in Dortmund. Fünf Rolltreppen-Etappen später öffnet sich die Tür zur Kunst. Aber irgendetwas ist anders hier. Goldrahmen an Goldrahmen, die klassische Gemäldesammlung gibt es hier auch, dazu gleich mehr. Aber dann: eine Riesenwand voller Din-A4-Bilder – gemalt von Kindern in einem der Workshops im Haus. Ein offener Workshop-Raum zum Reinfühlen in den Kunstprozess. Und wenig später: weite Wände mit Aberhunderten bunter Klebezettel. Es sind Ideen und Beiträge aus dem Bürgerbeirat des Museums für gewünschte Veränderungen des Hauses. Sie wirken so geballt geklebt schon selbst wie ein Kunstwerk.

Vom Bochumer Hauptbahnhof fährt auch die U-Bahn, wir wählen aber den 15-minütigen Fußweg durch die Innenstadt und queren den Nordring in Richtung des Bochumer Ausflugsviertels. Unser Ziel ist das Kunstmuseum im Stadtpark. Nur wenige Schritte weiter säßen wir mit Sternenblick im Planetarium, im Tretboot auf dem Gondelteich oder in den „Nordseewelten“ des Tierparks.

Nordisch wird es nach der Drehtür auch im Kunstmuseum. Die dänischen Architekten Jørgen Bo und Vilhelm Wohlert haben diesen Bau bis 1983 errichtet. Zehn Jahre vor dem Lübcke-Museum in Hamm, dabei ist die Ähnlichkeit unverkennbar: eine weiße, großzügige Rampe erschließt auch hier elegant die Etagen, Leuchten als Gestaltungsmerkmal spielen ebenfalls eine große Rolle. Bo und Wohlert selbst designten die Leuchten für ihr legendäres Louisiana Museum in Dänemark. Und hängten die heute gesuchten Sammlerstücke auch in ihr Bochumer Haus.

„Menschlich und wohnlich“ sei diese Architektur, sagt die stellvertretende Direktorin Julia Lerch Zajączkowska und fügt an: „Ich höre von Menschen, die nicht gerne ins Museum gehen, dass man sich hier wohlfühlen kann.“ Woran das liegen mag? Große Fensterflächen weisen den Blick über die Straße in den Stadtpark, auf der anderen Seite in die Privatgärten der Nachbarn. Oberlichter zeigen den blauen Himmel, das Haus ist dadurch sehr hell. Ihren Beitrag dazu leisten 9000 weiße Fliesen aus Biskuitporzellan mit schwarzer Grafikbemalung. Auf zehn mal 20 Metern Wandfläche hinter der Rampe hat der dänische Künstler Mogens Andersen das riesige Werk aufgebracht. Heute stimmt es auf die Gegenwartskunst ein, die hier im „Neubau“ von 1983 in Wechselausstellungen gezeigt wird.

Bei unserem Besuch breitet die Künstlerin Theresa Weber gerade eine organische Landschaft aus, holt (einen) „Chaosmos“ ins Haus, so der Titel der Ausstellung. Aufstrebende Künstler:innen haben das Team um Direktorin Noor Mertens im Visier. Hier soll für jeden Platz für reichlich Entdeckungen sein. Eine demokratische Kunsterfahrung wollen sie ermöglichen in einem Haus, das baulich und inhaltlich „kein Tempel der Repräsentation“ sei, wie Julia Lerch Zajączkowska es ausdrückt. Im Gegenteil: Werkstattcharakter soll herrschen und bald schon sollen viele Bürger mitarbeiten können bei der Neupräsentation der Sammlung.

Am Essener Bahnhof besteht die Wahl: Eine Station U-Bahn fahren und ein Stücken laufen oder gleich ein Stückchen mehr laufen bis zu „The Big Names“. So fällt es mal, dieses Stichwort beim Besuch. Und die großen Namen – die wirklich großen Namen in der Kunst sind nicht das einzige Große in diesem vorzüglichen Haus. Die Räume, die Werke …. Beginnen wir im Foyer. Großzügig. Erstklassig. Nicht zu Unrecht ist der Architekt David Chipperfield längst mit dem „Star“-Präfix und dem Pritzker-Preis dekoriert. Luftig, hell, würdig… in jedem Saal, den wir betreten, passt dieses Gefühl zwischen dem Werk und seinem Raum. Und die 24 Räume wiederum greifen groß. „Neue Welten“ lautet die Sammlungspräsentation, in der losgelöst von Epoche, Stil und Material der außerordentlich reiche Schatz nach Einzelthemen sortiert wird. So setzt der Bottroper Albers den Ton des Raumes mit seiner „Homage to the Square“, den u.a. Frank Stella bravourös aufnimmt mit dem schwarz-dunklen Viereck-Reigen in „Tomlinson Court Park I“. Daneben eine Wandinstallation und eine Plastik. Eine Mischung, mit der das Folkwang führend war bei der Neusortierung im Jahr 2019, und immer noch bestechend gut ist. Videokunst, Lichtkunst, Öl, Fotografie, Skulptur, gemischt. „Damit wollen wir ein neues Sehen evozieren“, begründet Folkwang-Sprecherin Anka Grosser die abwechslungsorientierte Auswahl. Es gelingt, so vermittelt es das Besucherbuch im Foyer.

Weit voraus war seiner Zeit auch der Folkwang-Gründer Karl-Ernst Osthaus. Seine Sammlung, ruhraufwärts in Hagen entstanden, bietet immer noch den Grundstock der heutigen Sammlung, die posthum nach Essen ging und hier nun die Welt begeistert. Osthaus war der erste weit und breit, der sie schätzte, der sie sammelte. „The Big Names“ sind es heute. Van Goghs „Die Ernte, Kornfeld mit Schnitter“ von 1889. Schon 1902 erwarb es Osthaus. Hatte es Wilhelm Morgner im Kopf, als er seinen „Mann auf dem Hügel“ 1911 malte? Van Goghs „Schnitter“ ist anders, steht ebenfalls mittig links, aber sich dem fast gebirgigem Getreidefeld scheinbar machtlos gegenüber unter der gleißenden Sonne. Die französischen Bilderbuchlandschaften liegen in der Entfernung

Aber fangen wir noch einmal vorne an. Was sonst getrennt ist, mischt sich in der Eröffnungsschau (bis Januar 25) mit bestem Effekt. Die städtische Gemäldesammlung, die Grafik- und Zeichnung-Sammlung des Mülheimer Arztes Karl G. Themel (so kam die zweitgrößte Zille-Sammlung außerhalb Berlins nach Mülheim) und die Highlight-Sammlung eines Nobelpreisträgers: Karl Ziegler zog aus Halle an der Saale nach Mülheim an das Max-Plank-Institut für Kohlenforschung und brachte einen Kirchturm mit. Feiningers „Roter Turm II“ (1930). Was in Halle eine Infotafel vor der Kirche schmückt, hängt vor uns als Original an der Wand. Ein großartiges Bild!

Nobelpreiskollegen finden wir auf dem größten Werk im ersten Saal – auch dieses erzählt von Umzügen. Erzwungenen. Arthur Kaufmanns „Geistige Emigration“ (1938-1964) zeigt 38 Persönlichkeiten, die vor den Nazis aus Deutschland in die USA flohen: Einstein, die Manns, Schönberg, Klemperer, Weill… Auch der Mülheimer Kaufmann ist dabei. Auch er ging. „In vielen Geschichtsbüchern ist es abgedruckt“, sagt Bauer-Kersken. In seiner Leinwand-Größe von gut 2,10 mal 3,40 Meter lässt sich das Triptychon aber nicht überblättern. Wer davorsteht, beginnt nachzudenken.

Daneben: Höhepunkte der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts: Kandinskys „Gegengewichte“ (1926), Beckmanns „Quappi mit Papagei“ (1936), Ernsts „Das innere Gesicht: Ei“ (1929), Campendonks „Kleine Katze“. Dazu Kirchner, Schlemmer, Rohlfs. Der Kunstschatz hier in Mülheim ist wirklich sehr beeindruckend.

Irgendwie passt hier alles zusammen. Nein, gemeint ist hier nicht der kurze Fußweg vom gerade hübsch werdenden Duisburger Hauptbahnhof zum Museum. Gemeint ist hier diese gleich ins Auge fallende Harmonie von Architektur und Kunst. Von der Glas-Beton-Konstruktion mit harten Betonflächen, kieselornamentierten Wänden, eben und in Rundung liegend, dazu große Glasflächen. Das Lehmbruck-Museum ist etwas Besonderes. Es ist ein Architektur-Kunstwerk, geschaffen von einem Sohn für seinen Vater. Architekt Manfred Lehmbruck (1913-1992) schien genau zu wissen, welche Skulptur seines Vaters Wilhelm (1881-1919) wo stehen soll in dem Haus. Er schuf ein Architekturmodell vor dem Baubeginn und ganz klein darin finden sich die verschiedenen Skulpturen seines Vaters wieder. Seit der Eröffnung im Jahr 1964 finden die Skulpturen nun ihren Platz. „Eigentlich ist das seitdem unverändert“, sagt Museumssprecher Andreas Benedict. Und es passt: Etwa die „Große Stehende“, soeben noch im Folkwang gesehen, ruht hier in sich unter dem Lichtkegel einer runden Kuppel im Dach. „Duisburgerin“ wird sie genannt.

Die weltweit bekannteste Lehmbruck-Skulptur steht aber in Sichtweite. Die Kniende. Vor ihr zu sprechen scheint unangemessen. Sie kniet ganz still. Warum? Ein Verkündigungsengel? Eine Tänzerin? Immerhin Lehmbrucks erstes Werk nach der Ankunft in Paris. Der Kunstmetropole seiner Zeit. Hier beginnt er zum großen Künstler zu werden. Dehnt die Proportionen. Wird unverkennbar. Wird zum Vorbild für viele. „Die Kniende“, hier als Gipsguss zu sehen, steht nicht mittig und ist trotzdem das Zentrum dieses Saales.

Im anderen Gebäudeflügel, der Glashalle, steht alles nach Wilhelm Lehmbruck, so konzipierte es sein Sohn. Hier rattert eine große Maschine von Tinguely, wiegen sanft die Formen von Rebecca Horn und spiegelt uns ein Luther. Daneben stehen Moore, Cragg, Brancusi, Beuys, Ernst und – natürlich – Giacometti. Auch so ein Unverkennbarer. Für lange Schlangen vor diesem großartigen Haus haben seine Werke einmal gesorgt bei einer Sonderschau.

Ein dritter, der neueste Flügel, enthält meist die bildende Kunst, wenn nicht eine Sonderschau einzieht. Kirchner, Rottluff, Beckmann, Mueller, Macke…., wir staunen über die Werte dieser Sammlung. Auf einem steht der Preis sogar drauf. „80.000 DM“. Selbstverständlich ist auch Beuys vertreten. Sein erstaunlicher Bezug zu Lehmbruck erfährt man am besten vor Ort. Wir brauchen erst mal eine Pause. 

Eine gute Gelegenheit dazu bietet das Lehmbruck zwar nicht, dafür ist das Richtige nur einen kurzen Fußweg entfernt. Bei so viel beeindruckender Kunst ist uns nach etwas ebenbürtigem auf dem Teller: eine Sahneschnitte. Eine Duisburger Institution ist das Café Dobbelstein. Eine Konditorei wie sie im Buche steht auf der Duisburger „Kö“, der Einkaufsmeile Königstraße. Auch die kommt nicht ohne Skulpturen aus. Hier verläuft die Brunnenmeile mit sieben wasserspeienden Werken von u.a. Niki de Saint Phalle. Die „Kö“ beginnt nahe dem Hauptbahnhof. Wir haben „Vorsicht bei der Einfahrt des Zuges“. Weiter geht’s.

Am Düsseldorfer Hauptbahnhof nehmen wir die U-Bahn in Richtung Altstadt. Die Haltestelle „Steinstraße/Königsallee“ könnte ablenken, aber wer in der U-Bahn sitzen bleibt, ist mit der U-Bahn schnell an der Heinrich-Heine-Allee. Hier um die Ecke, am Grabbeplatz, wuchtet sich optisch eine geschwungene schwarze Granitfassade in beachtliche Höhen. Nicht übermäßig großzügig dimensioniert ist das Entré. Warum? Jegliche Großzügigkeit ist hier offenbar der Kunst vorbehalten. Wir sind in der Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, genauer: im K20, in dem die landeseigene Sammlung mit Betonung auf dem 20. Jahrhundert hängt. Gründungsdirektor Schmalenbach stellte sie bis 1990 über knapp drei Jahrzehnte zusammen.

Irgendwie ist es, als habe er ihr Erbe angetreten: Johanna Ey (1864-1947). Besser: Mutter Ey, so nennen sie die Düsseldorfer. Ein paar Schritte entfernt vom K20 steht sie in Bronze auf dem Platz, der ihren Namen trägt. Und an der Wand des K20 schaut sie uns mit wachen Augen an. Blüht fast majestätisch auf in ihrem violetten Kleid, unter dem etwas verrutscht scheinenden spanischen Kamm. Der wirkt nicht zufällig wie ein Insigne. Otto Dix (1891-1969) hat Mutter Ey so der Ewigkeit übermittelt. Die Frau, die als Backwarenhändlerin zufällig zur Kunst kam und hoch angesehene Galeristin wurde und, so die Erzählungen, mit großem Herz die jungen Künstler der benachbarten Akademie unterstützte. Die dankten es ihr und machten sie zur damals wohl meistgemalten Frau. Dix trifft sie im Jahr 1924 besonders gut. Mit „robuster Lebensnähe“ beschreibt der Wandtext ihr Abbild, das dem Betrachter lange nicht aus dem Kopf gehen wird. Was für eine starke, beeindruckende Frau in der Kunstszene! Dieses Bild muss man hier in der Kunststadt Düsseldorf gesehen haben.

Natürlich gehört „das Bildnis der Kunsthändlerin Johanna Ey“ zum Besten in Dix Werk und zum Besten im Genre der Neuen Sachlichkeit. Eys Lust an der Kunst, am Künstlerdasein und an der Kunstvermittlung könnte als Verpflichtung des Hauses gesehen werden. „Unsere Werke stehen in allen Nachschlagewerken als Referenz der Kunstströmungen“, sagt Marketingleiterin Lotz-Kowal. Das Beste zu kaufen war der Anspruch damals. Es am besten zu präsentieren ist es weiterhin. Fast atemberaubend dominieren die großen Arbeiten etwa den „Amerikanersaal“. In der Mitte: Jackson Pollocks „Number 32“. Ein Wahnsinnswerk des abstrakten Expressionismus, eins seiner Schüttwerke oder Drip Paintings zum Sofortverlieben. Und weltweit rar in seinen Ausmaßen. Daneben Rothko, Richter, Trockel, Warhol …. Picassos „Frau vor dem Spiegel“ gehört ebenfalls zu den Highlight-Werken im Haus. Wenn es hängt. „Es ist das meistangefragte Werk der Sammlung“, sagt Sprecherin Susanne Fernandes-Silva. Weltweit gefragt für Ausstellungen und ebenso beliebt bei den Düsseldorfern. Daneben hängen Feininger, Klee, Dalí, Bacon, Matisse, Marc, Ernst … Viel mehr geht nicht. Oder doch? „Die Lücken der Sammlung“, wie es heißt, werden von Direktorin Susanne Gaensheimer in der klassischen und der Nachkriegsmoderne derzeit sinnvoll ergänzt, nötig bei Künstlerinnen und außereuropäischer Kunst. Die Sammlung wächst also stetig. Uns reicht für heute das, was hängt. Das muss erst einmal sacken. Große Kunst!

Von „Leverkusen Mitte“ erreicht der Schnellbus das Schloss Morsbroich nach acht Minuten. Auf den ersten Blick deutet alles auf ein übliches Barockschloss hin. Aber der erste Blick reicht nicht. Morsbroich ist ein Lustschlösschen der anderen Art. Ein Maison de plaisance in Kunststimmung. Der erste Hinweis darauf schwebt oben über dem Baum an der Vorfahrt. Ein prall gefüllter Luftballon, Aufschrift: „Live is great“. In der Eiche hinter dem Schloss hängt das erschlaffte Gegenstück. Seine Botschaft: „Life isn’t funny“. Spielt Künstler Werner Reiterer wohl darauf an, dass Paare öfter ledig vorne reingehen und hinten verheiratet rauskommen? Wie viel Lust und Witz tatsächlich durchs Schloss weht, fällt an mehreren Stellen auf: Etwa, wenn der Blick unter dem gewohnt luftig leichten Calder-Mobile auf den schweren Geweihleuchter im Jagdzimmer fällt. Welch ironische Kombination. Hier in Morsbroich sind wir mit unserer Lust auf Kunst richtig.

Wie das Mobile ist hier eigentlich gerade alles in Bewegung. Der Park wird nach jahrelanger Wenigbeachtung jetzt weiterentwickelt. Die Wechselausstellungen sollte man lieber gleich anschauen, sonst hängt schon die Nächste. Und die hochkarätige Ständige Sammlung? Gibt’s. Hängt aber nicht. – Nein, halt! So einfach ist das nicht. 6000 Werke ist die Leverkusener Sammlung stark. Aber so groß ist das Schloss bei Weitem nicht. Die Lösung ist hölzern und steht im Erdgeschoss. Ein Minidepot aus Holzleisten enthält hier 30 vorausgewählte Arbeiten. Wer möchte, darf sich nach Herzenslust eins auswählen. Und das wird dann eine Woche lang prominent gehängt.

Extrem spannend finden wir das, und finden uns so damit ab, dass der Tiger des Hauses gerade Ruhe hat. Er, 1965 gemalt von Gerhard Richter, ist der sprichwörtliche bunte Hund des Hauses, das wohl berühmteste Werk der Sammlung. Wer ihn sehen will, kann sich vorher anmelden und hoffen, ihn dann in der Vorauswahl zu finden. Bei unserem Besuch hängt Münters weißes Pferdchen – ein guter Ersatz.

Die Geschichte des Hauses ist groß. 1951 war Museum Schloss Morsbroich das erste seiner Art. Genauer: Das erste nach dem Krieg neu gegründete Museum für Gegenwartskunst in der Bundesrepublik. Und neben dem Kunstmuseum Krefeld (Link) war es damals ziemlich allein weit und breit. Die Folge: Die Größen der Gegenwartskunst steuerten Leverkusen an, stellten aus, trafen sich, schufen Neues. Für den internationalen Kunstbetrieb hat Morsbroich heute noch einen klangvollen Ruf. Für die kunstbegeisterten internationalen Gucker entwickelt sich der gerade wieder. Und das völlig zurecht. Die Gegenwart der Kunst reicht fast bis ins heute rein. Denn mit welchem Triumph ist Leverkusen gerade in allen Medien? „Das ist „druckfrisch“, scherzt Sammlungskuratorin Dr. Thekla Zell über das Bild nahe dem Eingang. Das Leverkusener Fußballstadion in Acryl auf Holz gemalt, gerade fertig geworden und gehängt. Die Begeisterung für den Meistertitel schwappt bis ins Schloss. (Antje Schiffers „BayArena | Bayer 04 Leverkusen“, 2024 Öl auf Leinwand, 110 x 85 cm)

Eine unschöne Diskussion zur Zukunft des Museums vor wenigen Jahren ist längst Geschichte. Heute ist das kleine Museumsteam um Leiter Jörg van den Berg sehr aktiv und arbeitet an der Zukunft. Als „Experimentierfeld“ sehen sie das städtische Haus, für die Bürger*innen und alle Besucher*innen. Sehr transparent ist auch die Neuinszenierung des Schlossparks. Das Künstlerduo Christoph Schäfer und Margit Czenki baten zur Mitarbeit, ein hübscher Wunschkasten fürs Publikum stand aus, bald startet die Umsetzung. „Wir lassen uns von den Besuchern hineinschauen in unsere Ideenfindung“, erklärt die Sammlungskuratorin Dr. Thekla Zell die Arbeitsweise und erzählt von Meetings im Jagdzimmer, bei denen Bürger*innen dem Team über die Schultern gucken können. Heraus kommen neue Ansätze und ungewöhnliche Ideen. „Und wenn etwas nicht funktioniert, dann machen wir es anders“, sagt Zell wie selbstverständlich. So viel Offenheit und Experimentierfreude weckt Neugier. Hier scheint sich wirklich Gutes zu entwickeln, denken wir uns und planen, unbedingt bald mal wieder reinzuschauen. Jetzt wird es aber Zeit, der Schnellbus naht. 

Welch ein Panorama! Die Kranhäuser, die Türme der romanischen Kirchen, der Musical-Dome. Links und rechts vom Zug gibt’s auf der sehr langsam befahrenen Hohenzollernbrücke eine Art Instant-Köln zu sehen. Die sechsgleisige Brücke über dem Rhein ist übrigens Deutschlands meistbefahrene Bahnbrücke – irgendein Zug rauscht hier immer. Schwappt hier das sprichtwörtliche kölsche „Jefööhl!“ schon über? Vielleicht noch nicht, und schon fahren wir in den Hauptbahnhof ein. Das Museum Ludwig steht auf dem Plan. Doch was steht dem buchstäblich im Weg? Der Dom natürlich. Und viele Bauzäune. So ist das gerade im Kölner Zentrum, wo viele Kulturschätze entstehen oder fit gemacht werden für die Zukunft. 

Die Bauzäune leiten uns zum Museum. Ach was, … Bauzäune? Eine Open-Air-Ausstellung ist es eigentlich. Großformatige Abbildungen sind draufgedruckt von den Kunstschätzen Kölns aus vielen Epochen. Der vorrömischen und römischen, der mittelalterlichen und der, sagen wir mal: Ludwig-Zeit. Denn da ist sie ja: Die Mona Lisa von Köln: Roy Lichtensteins blondes Comic-Girl. In übergroß. Ihr fragender Blick geht Richtung Haupteingang. Dem folgen wir … und stehen wenig später wieder vor dem Bahnhof. Diesmal dem von Perpignan. Es ist ein Hauptwerk von Dalí. Mit drei mal vier Metern ungewöhnlich groß für sein Œuvre – und sehr biographisch. Darin fällt er selbst wohl aus einem Traum. Sehr eindrücklich. Daneben lässt Dalís Surrealistenkollege Ernst die Heilige Maria den Jesusknaben züchtigen. Vor drei Zeugen – auch dem Maler selbst. Ein Skandal war das damals. Heute hängt es ganz still im Ludwig.

Irene und Peter Ludwig haben diese Sammlung angelegt. Ihr aus Schokolade gemachtes Vermögen wandelten sie gekonnt und bestens beraten in Kunstschätze um. Heute von wahrlich unschätzbarem Wert. 1976 übereigneten sie einen Teil ihrer Sammlung des 20. Jahrhunderts der Stadt Köln. Die Bedingung: Ein Museum. Mit ihrem Namen. Und die Namen, in deren Ateliers sie oft die Werke direkt kauften, wuchsen und wuchsen. 

Das Ergebnis ist in höchstem Maß beeindruckend. Das Museum Ludwig ist das „Who is Who“ der Kunstgeschichte des 20. Jahrhunderts. Hier hängen und stehen sie alle. Allein über 800 Picassos verfügt die Sammlung (mit Grafiken und Keramiken). Es hat die größte Pop Art Sammlung außerhalb der USA. Und mit der früh dazugesetzten Sammlung des Rechtsanwalts Haubrich auch noch eine exzellente Kollektion an Werken des Expressionismus rund um Kirchner, Pechstein, Macke und Co.

Aber was bewirken diese formulierten Superlative schon im Vergleich zu einem Vorort-Erlebnis? Der Begegnung mit dem riesigen Rosenquist (Star Thief, 1980), dem noch größeren Léger (Die Taucher, 1942), den Hauptwerken von Gerhard Richter wie Ema (1966), Paul Klees „Hauptwege und Nebenwege“ (1929) und Warhol, Warhol, Warhol. U.a. mit dem Jackie Triptych (1964) und dem Doppel-Elvis (1963). Durchatmen. – Höchste Zeit für eine Pause

„Schöner ankommen in NRW“ heißt ein Förderprogramm der Bahn und des Landes zugunsten von Bahnhöfen. Ja, schöner könnte gehen, dieser Gedanke drängt sich den Ankommenden auf. Aber die Substanz stimmt. Als „stadtprägendes Denkmal“ wird das historische Empfangsgebäude in Düren bezeichnet, nunmehr 150 Jahre nach Eröffnung. Immerhin ist Düren keine abgeschiedene Dorfhaltestelle. Auch ICEs von und nach Berlin halten hier aus voller Fahrt zwischen Aachen und Köln. 

Die rund einen Kilometer lange Strecke zum Museum gehen wir zu Fuß. In den rund 15 Minuten geht es vorbei an Resten der Stadtmauer aus dem 12. Jahrhundert. Dann stehen wir auf einem etwas unförmigen Platz. Einst als hübsche Einheit aus Theater, Kirche und Museum vorgesehen, waren nach dem Krieg nur Reste der Kirche und ein ramponiertes Museum übrig. „Düren war zu 99 Prozent zerstört. Nur dreizehn Häuser haben den Krieg überstanden. Das Leopold-Hoesch-Museum war eins davon“, erinnert Museumssprecherin Helen Wobbe. Das Gebäude von 1905 wirkt insgesamt prunkvoll verspielt, Neobarock und Jugendstil schmeicheln dem Auge. Schon öffnet sich wie von Geisterhand die schwere Eingangstür. Hereinspaziert!

Mit viel Charme begrüßt uns die Historische Eingangshalle. Eine Gedenktafel preist den Gründer Hoesch als Gönner, der hatte damals längst seinen Firmenhauptsitz nach Dortmund verlegt, wo „Hoesch“ das Synonym für Stahl wurde. Er hatte es als Universalmuseum erdacht, heute ist es längst nur noch für Kunst da und bietet ihr – ja einen vielleicht perfekten Rahmen. Die Wege sind kurz im Haus. Ein Schritt aus der Eingangs- in die „Ruhmeshalle“ des Hauses, so kommt es dem Gast vor. Dicht an dicht, wie in Petersburg, hängen hier die Porträts. Hoesch selbst, daneben Arbeiten von Hofer und Kokoschka, von Modersohn-Becker und Mueller. Und eine hübsche junge Frau. „Momentan hängt sie hier“, sagt Helen Wobbe und zeigt leicht nach oben. Es ist so etwas wie das Lieblingsbild der Dürener. Das „Mädchen mit roter Schleife“ von 1909 ist für sie ein fester Orientierungspunkt in der Sammlung, wer sie sieht, fühlt sich daheim. Nur auf die Grundzüge reduziert, typisch für Jawlensky, verzaubert sie mit großen Augen und lässt rätseln über den expressiven Farbeinsatz. Frontal blickt sie uns an, hinter der übergroßen Schleife hervor. Sie passt in den Charme des Hauses, und verstärkt ihn sogar.

Dann geht’s weiter. Die Sammlung ist beeindruckend. Kandinskys „Weißer Punkt“ bekommt den Platz, den er braucht. Schlemmer ist vertreten wie Dix, den ein beeindruckendes Selbstporträt zeigt. Ein Mini-Macke trifft auf Werefkin, ein Frühtrunk auf Geiger. Kirchners „Tobel“ hängt wie Schmidt-Rottluff, dessen „Ostsee“ erst vorbildlich restituiert und dann den Weg zurück in die Sammlung fand. Neben Ueckers sich nur scheinbar wogenden Nägeln gibt es einen tatsächlich bewegten Piene: Den wohl letzten Lichtraum, den der Zero-Künstler 2010 selbst noch eingerichtet hat. Ein kurzes Innehalten für das Lichtfest für die Augen.

„Wir können von keinem eine Einzelausstellung ausrichten, aber wir haben exemplarisch von allem was dabei“, beschreibt Helen Wobbe die Sammlung. Auch von Niki de Saint Phalle, doch die Dürener „Nana“ (gerade ist uns eine im Kölner Ludwig begegnet) ist soeben ins Depot gewandert. Auch im Leopold-Hoesch-Museum ist ständig Bewegung im Haus – und in der Sammlung. Ein gegenwärtiger Sailstorfer wird einem historischen Erbslöh gegenübergestellt und Tim Ullrichs ganz aktuelle Erwerbung begeistert mit „100$ shredded“. Humor geht also auch, der bei Anja Dorns „Vom Leben in Industrielandschaften“ (2018) gleich wieder vergeht. Der nahe Tagebau und seine Spuren sind ihr Thema. Eine begeisternde Kombination – nicht weniger als der Altbau mit dem White-Cube-Neubau, der dem Museum Raum für Wechselschauen lässt.

Wir sind noch vor der Grafikschau überwältigt von der Güte und Fülle – von der Mischung und der Atmosphäre. Ein kleines Team mit einer großartigen Sammlung sorgt für puren Kunstgenuss. Und der muss hier nicht vor dem Café enden. Klaus Föttinger hat ihn mithilfe von „Saigon Wraps and other Natural Phenomenons“ (2010) zum Kunstort gemacht. Dann geht’s zur Grafik. Die Registrarin des Hauses durfte sich hier austoben. Aus den 10.000 Blättern, die sie eigentlich nur verwaltet, durfte sie ihre 60 Lieblingsstücke hängen. Eine subjektive Wahl inklusive Ensor, Rembrandt und Man Ray, die nur bestärkt, mit welcher Leidenschaft hier gearbeitet wird.

Zum Schluss stehen wir wieder in der Eingangshalle, wo die bunten Vögel immer noch fliegen. Rückriem hat sie für die Kuppel entworfen. Streng geometrisch nach mathematischen Berechnungen wie folgt: … Ach, lasst es Euch von den netten Mitarbeitenden erklären, es wird begeistern. Wir müssen selbst beseelt losfliegen, 15 Minuten bis zum Hauptbahnhof.